Published by Exv07-xiongxiaolan07300574 April 23rd, 2008
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第一次接触的装置艺术是上学期在广东美术馆看一个名为《美丽新世界》的展览是看到的一只纸箱。纸箱封得严严实实的，没人靠近时没有人会以为它也是展览的一部分，走近时才发现它原来会发出声音来：“你好，我是一只纸盒子。”“我来自带有青草味的远方。”“我看到过美丽的花草树木。”……对装置艺术的第一印象是：由声音来传达观念的艺术品。
这学期学习了一些关于装置艺术的知识后才发现原来装置艺术并不都是有声音的，在当代艺术史的常规中，将声音视为作品装置的要素的例子仍相当少见。那么装置艺术与传统艺术的区别在哪里呢？我们应该怎么欣赏装置艺术呢？
在看了许许多多装置艺术品之后，我发现装置艺术与传统艺术相比是反形式主义甚至反审美的。看了那么多的装置艺术我总结不出一些套路出来，它们都是那么独特，随手抓几件现成品也能创造一件装置艺术品，每一件都能表达特定时期的特定的观念。而我看过的那些装置艺术几乎没有哪件在看的时候觉得那是美的，相反，有些还是那么的简陋甚至丑陋，这大大挑战了我关于艺术与美的联想，难道这由“真理都是赤裸裸的”同理可得？
另外，我觉得从装置艺术的内涵上来看，它都是强调思想性和批判性，而且强调艺术的当下性。很多装置艺术品都是对社会生活、人的道德进行批判，还有一些是对思想方式与思维方式的反思。虽然传统艺术也有批判的因素，但是装置艺术与之不同之处在于它仅把所设置和描绘的对象当作批判的媒介，而前者把所设置和描绘的对象直接作为批判的对象。装置艺术家常常以暗示和联想的手法对现成品所蕴含的社会普遍意象和观念加以错位和反诘，而不是以对物品摹写之上的色彩、形态的审美品质的标榜来展示其艺术表现力。
这就是我对装置艺术的几点认识，希望随着对装置艺术品的阅历增多，我会装置艺术的认识会更深入。
Published by Evx07_Lusiqi07300572 April 23rd, 2008
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为期9周的“影视创意与策划”课程即将告一段落。我确有许多感言，却又觉得未必得讲。但既然方璐老师在课堂上传达了欲知道我等为人学生之感想（原话：我都告诉你们我的感想了(=^_^=)），我就把这些絮叨拿来充当一篇WIKI，顺便弥补我涩于当众发言的遗憾。
（有点老套的开头）事实上，我第一次见到方璐老师的时候，心头浮起的四个大字是“好鲁豫啊~”，而听了一堂课之后的则是“好艺术啊~”。听了三节课下来，竟晕晕乎乎︵θ︵θ︵地准备去拍片了。
自由度——很难说方老师的课带给我们最重要的是什么，但个人认为“自由度”无疑是其中重要的一环。其实，我们小组的成员在开始的时候对拍片并没有什么兴趣，所以面对这样的自由度，第一反应是茫然不知所措。因为本身并没有什么特别想拍摄的，也无实践经验。（/ _ \）于是，写策划的时候，前期总是在努力揣摩老师的心意，后期却因为实在没有什么创意，而抓到IDEA就拍，镜头组合等也往往时到了现场才相互沟通。但很快，我们便拍上了瘾，“重新演绎”、“黄浦村”我们都拍了两份，自命题也花了不少时间构思拍摄。因为有了真正想拍摄的，将时间耗费在上面便不再是什么难事。正是因为有了方老师给予的自由度，我们才渐渐培养起了兴趣。
艺术性与技术性——一开始，老师的艺术倾向的却给我带来了些许困扰。连着三节课听完评论下来，竟晕乎乎貌似什么都没听懂。但后来我意识到，无论带有多少的艺术性，视觉感受还是最重要的。而老师是技术性与艺术性皆看中的，只要你在某一方面特别突出。就像小说，有些话题虽然是被写烂了的，但由好的作家写出来的就是与众不同。视频也是这样。方老师对这两方面的要求，使我们没有了因自己是学生而技术不精，艺术不良的借口，从而用更高的标准要求自己，从而获得了确确实实的进步。
有同学建议增加技术性教学内容。但我个人认为这是不必要的，在大学，自学才是王道。如果纠结于技术，可能会造成IQ小博般的烦恼（╮（╯＿╰）╭）。
我们小组并未拍出什么特别为人所称道的作品，但进步是极大的<(￣︶￣)>。这些进步施在课堂上得到老师和同学们的反应、评论后反思而得的。感谢方璐老师创造了这样意种环境，营造了这样一种氛围，细致耐心地对我们所有人的作品作出评判、给予建议，并对我们的任何微小进步不吝赞扬。(=^_^=)
课程终于是要结束了，对部分人而言是熬夜的结束。我情感上是极其不舍的，特别是当我感觉到老师与我们之间是那么的接近。
其实，还有一点是很需要感谢方璐老师的就是，(＞_＜)我认识了班里更多同学。原本我并没有多少机会认识所有人。但当他们出现在视频里了之后，我便有了记住他们的机会。这算是，极其意外的收获吧。
其实看这部电影之前,我在长的一段时间里都不知道戈雅的存在。
影片名为戈雅之灵，那个“西班牙不朽的画家”的画家，戈雅，就像一个幽灵一般地带着银幕前的人们去观看历史上曾经存在过的荒谬的世界。幽灵—像幽灵一样静静地看着世事变迁，用心灵的画笔去勾勒惨状；也有另一个意思，像幽灵一样，纵然存在，而且可怕，却可有可无而对世事轮回全无影响。
萨特说：“世界是荒诞的，人生是痛苦的。”——这个世界就是荒诞的，荒诞的名义下，坏人身上散发出迷人的气息。
如果不是《戈雅之灵》这片名时时提醒着，那个后来失聪的画家才是影片的主角，我肯定会更加坚定地认为，邪恶的洛伦佐才是影片的主体人物。并且，应该进一步地妄想将片名改成〈洛伦佐，你大爷的〉或者〈哦，洛伦佐〉，并毫不动摇地认定这是一部切题的佳作。戈雅，这个爱上了画像的艺术家，只是一个点缀。他的名字很有份量，他的笔触很有质量，只是世界的嘲笑让他显得单薄而虚无。
洛伦佐是有血有肉的，人。无论他犯下的罪有多么地让人极端鄙视，做出的愚行又会令多少人大笑时口沫四溅。受刑之后用颤抖的双手在声明自己是教会猩猩的纸上签名，在地牢里以祈祷的名义强奸美丽的伊莱丝，法庭上大义凛然地宣判自己曾经拥护的教会，还有，下令驱逐妓女—为了维护脸面而赶走亲生的女儿。对于这个人，买一送一地在后面添多一个“渣”字也不为过。但就是这个人渣，像一面镜子般照出了人性的黑暗，扯开了掩在人们身上的最后一块遮羞布，展示了世界的活生生。
从电影的角度来看，我喜欢这个人物，更甚于可有可无的主角和美丽的女主角。同时，也一并欣赏喜欢拿坏人说事的导演。洛伦佐的存在是真实的，并不乏可爱的一面。可爱，因为不随便屈服，并总能想尽办法去东山再起。受老商人的刑而承认自己是只猩猩，这是一件很容易被原谅的事，早在动手前导演就让画家做了铺垫，“如果是我，在摆脱苦痛的心占了上风的时候，一定会选择承认的。”当丑事公布于众的时候，洛伦佐躲在人群中看着自己的画像被烧毁，我们也分明知道，神父洛伦佐死了，他的灵魂会换一副躯壳风光地回来。这个打不死的人渣，事实上也并没有辜负期望。他一次次地领着大家去欣赏荒诞，并在最后，以近乎宁死不屈的姿态中嘲笑了世界。直至死亡，他也没多说一句话。
然而，这个可怜的画家，却像是只该存在于画室之中。洛伦佐说他喜欢饥讽神父，但影片并没有给他太多机会去实践一回。他爱上了画像中的少女，并一再感动地宣称那是上天派下的天使，但他的爱只在画室和他软弱的内心里。他不能像洛伦佐那样占有伊莱丝，而伊莱丝到最后也只知道傻傻地跟着洛伦佐的尸体远去。观者看来，对这个失聪的男人的评价，最中肯的一句仿佛正是洛伦佐嘲笑式的大喊，“你就是一个妓女，谁给你钱你就和谁做”。最恶俗的话，却道出了事实真象。
一个失聪的画者，耳不能闻却仿佛能听见人间的疾苦，他听到的声音是直指人类灵魂的。无数的魂灵在他的画笔下悲惨的尖叫。但他不能左右任何事，哪怕是他自己的命运。他是一个见证者，但在影片中，这双眼睛似乎出现得毫无意义。与其说是借戈雅的眼睛来描写大革命下动荡的西班牙，不如说是借一个伟大的名头的宣传电影。这听起来是另一件荒谬事。如果有需要，倒是不如留下画家的画，而让画背后的眼神隐藏得更有深度。
在片子的最后，邪恶无耻的洛伦佐终于被正法了。马车载着他的尸体走在小巷里，失智的伊莱丝抱着婴儿拉着他的手静静地跟着。有谁说喜欢围在旁边又唱又跳的孩子吗？轻脆的歌声似乎是在清洗着死者肮脏的灵魂。但是，那是我们的现实么？我倒宁可相信，那是导演洋洋得意却画蛇添足的举动。很美，很动听，很荒诞。
空气在黑暗中凝结了两个多小时后，终于随着最后的亮灯而流动起来。我站起身来伸着腰问朋友，“你觉得那时候会有这样的一群小孩子看到尸体像见到玩具一样高兴吗？”她很认真地说：“在兵荒马乱的年代，这是有可能的。”她的回答让我想起了“存在即合理”之类的话，不由得笑了出来。
那是我当晚唯一的微笑。
Published by Exv07_zhangboyang07300599 April 23rd, 2008
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艺术是什么？
我觉得思考这个问题会使人陷入一个怪圈。
但我们生活在一个习惯下定义的世界里。
艺术是什么？
毕加索说：“艺术是什么？如果我知道，也不会告诉你。”更何况我们不知道。但是在我们的意识里，起码艺术是好的，是高级的，是和有才华有身份的人联系在一起的。在西方，人们更是宣称艺术是“上帝王国在地上的显现”。艺术既然如此神圣，必然不是谁都能参与进去的，于是就自动划分出来一个小圈子。叔本华认为真正的艺术“对愚钝的芸芸众生来说应该永远是高深莫测的，是不可企及的”。我暂且这样认为，“愚钝的芸芸众生”也许缺乏某种神奇的感知能力或者脑子不知道缺了哪根劲，他们就是无法理解艺术的。于是艺术被抬高到一个更加高深和玄妙的地位，是神圣而至高无上的，艺术就是上帝。
那哪些才算是艺术品呢？莫奈的画作，罗丹的雕塑，贝多芬的交响曲，莎士比亚的剧作，当然，这些谁都没有怀疑过，看上去就都很美。可是事态发展到现在，情况有些复杂起来了。沃霍尔的罐头，杜尚的小便器，到皮耶罗曼佐尼的粪便，甚至一个空无一物的空间，到现在也都名正言顺的登堂入室，被称为“艺术品”。这样的事实又让我追问，到底艺术是什么？
要知道，受到古希腊“模仿说”的影响，有很长一段时间，再现和模仿被认为是美的，评判的标准就是作品接近现实的程度。印象派出现以来，作者有了自己的话语权。但是艺术仍然是奢侈品，属于高于生活那个神圣的领域，只有天赋很高的人才能理解。当然，这种鬼话往往是站不住脚的，达达们先站了出来，宣称“上帝死了”，将自己对传统艺术的质疑表现的淋漓尽致，试图消解了所谓艺术与生活的界限。至此，似乎艺术从架上被搬下来了，但我们的疑惑好像又增加了。小便器、洗衣粉盒和粪便，什么都可以是艺术，你的桌子，一本书，一枝笔，都是艺术，若是在洗手间里，更是可以随处感受到艺术的气息。但事实往往不是这样的，你认为你的桌子是艺术品，但是除了你自己没人那么认为，它就不一定是艺术品。可以说，艺术品是那些被“恰当的人”承认是艺术品的东西。谁是“恰当的人”？很明显，艺术家或者艺术圈里的人，他们只不过多懂些专业的理论知识而已。
我们可以假设一个孩子和巴斯埃尔塔在同一个地方同时哭泣，我们只认为巴斯埃尔塔的行为是艺术，而孩子的不是。我有点晕了，我前面说过，达达主义以来，艺术的界限似乎模糊了，但事实上呢？
艺术品之所以成为艺术品，与它的物质构造无关，而取决于它如何被看待和评价，并且是被“恰当的人”。在我看来，艺术发展到现在仍然是“精英文化”，是“理解能力很强”或者“有某种特殊天赋的人”才能介入的东西，所以我说我会陷入一个怪圈。又如我认为美术馆是一个奇妙的地方，当你进去参观，凝神望着那些你根本看不懂或者硬从某本书上拉过来的东西时，那些画似乎在对你说：“嘿，哥们，你根本就没有那个理解能力。”艺术无法倾听大众的想法而直接把大众抛弃在外，不知道这到底是大众的悲哀还是艺术的悲哀。
看起来我们被耍了。
不过值得欣慰的是，今天的艺术至少还反映了“艺术家”的某种观点和表达，他们将自己的想法注入到“艺术品”中。“艺术品”和“物品”还是有区别的。抑或我们认为他们应当是有区别的。那么将来呢？也许又会有一个“**主义”，那时他们之于今天的达达相当于现在的达达和传统艺术的关系。我们再提到“艺术”这个词的时候，对它的情感态度就如同我们今天说“物品”这个词一样，没有任何的仰望之意，只是生活中的一部分而已，仅此而已。那时候，我们就不会去探讨艺术是什么，艺术和吃饭睡觉一样，人人也都是艺术家。我们能从吃饭睡觉中获得一种生理上的满足感，艺术也应该是一样的，我们觉得它好，弥补言语的苍白，获得了思索的愉悦和审美的满足，让我们有一个喘息的机会，这就够了。何必再去计较艺术是什么。
Published by Exv07-zhengyufei07300581 April 23rd, 2008
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偶尔的一次机会，有幸在思修课上观看了改编自雨果著名小说的电影《悲惨世界》。影片讲述了安分守己的尚维强偷了一个面包，被判十年劳役。后努力工作终于成功，但警探贾维尔一直不放过他。最后尚维强以无私的付出，终于感动了贾维尔，酷法下的悲惨世界终于闪现出人性的光辉。
本次放映的是黑白版本的《悲惨世界》。后来查资料才知道，这原来是放映于1935年来自美国的“老古董”。确实是一部年代久远的电影了。一开始还担心看惯了色彩悦目的商业片会看不习惯黑白片，但后来发觉事实并非如此，黑白版的《悲惨世界》尽管没有炫目的特技，宏大的场景，也没有能与商业大片比美的摄影技术，但其还是以其独特的魅力将我们征服，甚至让我们觉得它比某些号称巨资制作的电影更有吸引力。
是什么让这部黑白片如此有魅力？
首先，我觉得一个具有深度与感染力的剧本是它成功的基础。这部电影改编自雨果名著，其故事在思想性与深度上自然不用说了。影片分三个阶段：一是尚维强服完十年的牢役后，受到主教心灵的洗涤；二是尚维强化名麦德林，成为成功的企业家和热心的市长，因挽救他人而暴露身份，被警官贾维尔追捕，不得已携孤女柯采蒂投奔曾救济过的修道院；三是尚维强救助柯采蒂的情人，最后警官贾维尔受到感化并跳河自杀。影片三个阶段逐层推进，通过尚维强曲折的一生表现主题。
刚开始看到每个阶段前那段极具革命风格的过度画面，觉得有点老掉牙了，但之后看下去反觉有趣，因为曲折的剧情及生动的人物形象确实牢牢的抓住了我们的心，急于关注尚维强的命运，又有谁会吹毛求疵地挑剔一部旧片的过度画面是否老掉牙呢？
它有深度，但又没有文艺片的羞涩难懂；有剧情但又没有喜剧片的无厘头。其深刻的人生哲学，其关于人性的探索，即使是年代久远却仍对现在的我们具有启发意义——Life is to give, not to take，带给我们心灵的洗涤。
其次，黑白的纯粹有一种返璞归真的魅力。或许你看惯了炫目的特技，场面浩大的宏大场景，金光闪闪的奢华宫廷，但当这一切都变得泛滥时，简单自然的画面又变得难能可贵了。这类似于当你看多了令人目不暇接的特技，再看看平淡如水的写实风格电影，或许你未必有兴趣看下去，却有一种莫名的亲切感。那种不用担心错过什么，看漏什么“精华”的解脱带来了一种返璞归真的魅力。不用刻意去欣赏“精华”场面，让你有更多的心思去思考，去投入到故事中。黑白简单、纯粹，却带来舒坦。
在古老、几乎被遗忘的黑白《悲惨世界》中，我们依然可以感受到它独有的魅力。在它的魅力中，我们看到了久违的东西，也可能是现在我们身边的电影中失落的东西。
Published by EXV07-ZhuMeng07300577 April 23rd, 2008
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前不久才看完鬼才导演昆汀·塔伦蒂诺执导的电影《Kill Bill》vol.1和vol.2。我承认我已经冥王星了，但是真的很久没有看这么好看的电影了。其实早就知道有这部片子了，一直没有机会看。直到前段时间一时兴起去翻广受好评的老电影来看，才看到了这两部精彩的电影。
剧情都不说了，看过的人应该知道，没看过的最好去看一看，不会后悔的。昆汀·塔伦蒂诺向观众充分展示了暴力美学的定义，不过对极端血腥画面不能承受的人还是慎看。该片突破了我以往不看暴力片的限制，虽然还是相当的血腥，可以形容为刀乱挥，肉乱飞。鲜血如喷泉般喷涌得畅快淋漓，确实暴力至极。但也确实很美，配乐很奇怪，让人感觉非常有戏剧性；场景非常的漂亮，鲜红，鲜黄，雪白，纯黑，深蓝，纯净的大块色彩的组合看起来很舒服。乌玛.瑟曼那把半藏的武士刀非常酷，意志强韧到非人类的地步。她在里面的确杀了不少人，但觉得里面最让人感到可怕的并不是那血海之中一块一块并不怎么清楚的肉块，而是光脚踩烂Elle眼球时那一脸的毅然与不屑一顾。另外刘玉玲饰演的阿莲那个角色我也很喜欢，尽管死的有点吓人，关于她的幼年的动画章节也是血腥非常，怎么说呢，似乎亚洲女性才能把隐忍和狠辣表达的如此精妙。
昆汀导演关于自己的大作，有过这样一段话：“我也曾为片子的暴力感到恶心，并且很是担心如果一个孩子看完这部片子去上学，把其他的孩子都一片一片切开怎么办？”
不过相比起vol.1，vol.2的内容稍显平淡了些。第一部情节紧凑，打斗场面精彩异常，对比之下第二部就像文艺片。但是不管怎么说，看够了美国主流大片的特技效果，厌倦了港片弱智的剧情，终于找到了一个另类电影。我果然还是对视觉效果强烈的电影有爱=3=
记得在某某天的某某的讲座上，问了一位外国的艺术家一个问题：艺术是因为你还是因为作品而成为艺术？
她说：只要你觉得是艺术，从这一刻开始，你所看到的所有东西，你所拍的所有东西都是艺术！
所以，我在想，艺术是形而上的吗？
艺术只是共相，还是名呢？
这是个道家的问题！道可道，非常道！名可名，非常名！无名，万物之始；有名，万物之母…….
艺术，是个什么东西？是你以之为，便为之？还是，本为之？
没有人说得清楚艺术具体是什么，其实，万物皆是艺术，艺术皆是万物，这个犹如道家的 一 。一生二，二生三，三生万物。艺术犹如一，之后有各种各样的艺术。从这点出发，艺术没有我们所认识的 名 。有的之始一个概念，即为 常规，谓之 常 。所以，第一个问题是可以解释清楚的：艺术是共相，而不是名！
所以，艺术应该是形而上的东西，而不是形而下的东西！虽然它通过各种现实存在而表现出来，但是，它不依赖任何的现实存在而存在，艺术，从开始就有，即使，你不知道的时候，你不懂的时候，你没有看到，没有听到，没有想到的时候，它还是存在着的！
这个很明显，艺术是形而上的东西！
那么，现在谈谈第二个问题：那个是不是每个人的所见、所想、所闻都是艺术呢！也就是，那位外国艺术家所说的那个 你所见的就是艺术，只要你想…… 如果如她所讲，那么，艺术岂不是存在于你我他中，那么，为什么，我们有那么多人看不懂艺术家那些所谓艺术的东西，为什么可以称为艺术家的人那么少，为什么同样的东西，艺术家拍出来就是艺术，而出自我们之手就不是艺术了呢？
同时，即使是一个艺术了，那么，我们所理解的东西如果与艺术家想要我们知道的不一致的话，那么这件艺术的原始意义就不存在了，那么，这样就注定艺术品一旦产生并且广之于众的时候，它就永久地与艺术家分开了，它已经不再与艺术家发生联系了，虽然，艺术家可以与之发生联系，但是，从那一刻开始，艺术只与观众有关了，那么，艺术家的意义不在了，这个时候，艺术家完全是可以消失掉的了。那么，艺术家为何而存在！
艺术是形而上的，它不会因为物而存在，也包括人，那么，何来艺术家！无论艺术家是否存在，艺术依旧是存在着的！艺术从一开始就存在着！
那么，那位外国艺术家所说的确实不是很准确，艺术并不是说，你说它是就是，而是它本来就是，只是你恰好看到或想到而已！所以，并不是，你弄出来的所有东西都是艺术，主要的是你是否想到了那些观点，而且那些观点恰好是本来就存在着的艺术所有的，那么，在那个时候，你弄出来的东西才算是艺术。其实，东西并不重要，主要是那个观点，主要是那些形而上的东西，而不是形而下的东西！
依旧是记录片的风格，依旧写实得让人心寒。李扬再一次将令人沮丧与失望的现实用镜头展现在我们眼前。
落后的小村庄，被困的无辜妇女，蛮横的村民，如同黑社会老大般的村委会主任，这部《盲山》无处不透漏着导演将文明与野蛮冲突的对比，对人性进行探究，展示着一种和目前和谐繁荣相反的真实的社会现象。故事虽然很简单，就讲述一个被拐卖的女大学生逃离牢笼的经历。然而电影的震撼力却非同小可，反映出时下社会种种麻木冷酷，对这个歌功颂德的年代确实无情的讽刺了一把。
整部电影依旧是超级写实的风格，没有壮观的场景，没有华丽的服装，没有明星演员，没有华丽的对白。一切都是真实的，纯朴的，现实的，同时是灰暗的，阴沉的。
妇女被拐卖当别人的媳妇，在繁华的城市社会中，那是法律乃至道德上都不被允许的，是遭人唾弃的行为。然而在那样一个落后的贫穷的村庄里，这样的现象确实普遍的。在那些村民的眼中，我们把她们买过来是正当的，而她们已经属于自己了。
因而到了电影最后，当公安来解救女主角时，全村的村民群起而攻。在他们的眼中，这个女人是他们的，公安不是来解救，而是来抢人。他们竟然大胆地与公安起冲突。而村委会的主任竟然牛得不像话，完全蔑视公安的行为，而站在村民这一边。最终公安只能在夜里偷偷救人。
公安在城市社会中是权威的象征，没有人感忤逆。然而在那个村庄里，权威受到质疑，受到冲击。法律不起作用，道德不能规范。人们眼睛不盲，但心却盲了。他们根本意识不到自己行为的正确与否，他们只坚决地认为自己的利益就是正确的。
令我感触最深的是最后一幕。公安偷偷地把人救走，几乎整个村的村民都跑出来追车要“解救”人。本来能被救走是幸运的，但那些被拐卖的妇女最终却因放不下自己的孩子而回到了那个地狱般的村里。无法反抗，只能忍受。
文明的落差，荒山的愚昧，人性的丑陋，种种文明愚昧错综复杂，种种的愚昧无知和道德沦丧，李扬用一种类似纪实的手法，讲述了一个让我从头顶冷到脚指头的故事，一个让人重新对人道、人性思索的故事。
人不盲，但心盲。
Published by NM06-CaiZeBin06354003 April 22nd, 2008
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艺术是一个很吸引人的美妙名字，但究竟什么才是艺术呢？这个问题在今天却变得异常复杂，随着艺术界不同时代风顶浪尖上弄潮的精英的拼搏之后，艺术的范围得到了极大的拓展，以前不被认为是艺术的东西也被置于艺术名义之内，甚至有人提出“艺术即生活，生活即艺术”的极端观念。当艺术所包容的东西无限扩大时，它的意义反而更加模糊了。到底什么是艺术，要回答这一问题并不容易，强要回答我们可能就犯苏格拉底解释什么是人那样的错误，不如不回答，直接在探寻艺术的意义这一问题中来寻找答案。
那艺术的意义又是什么呢？非功利的愉悦，无目的合目的性，理念的感性显现，诗意的栖居，真理的自行植入……艺术的有趣之处也许就恰好在于没有一个定义可以完全概括，因不同的人有不同的理解才让艺术变得如此有魅力，如此让人们津津乐道。但大体上艺术的意义有这么几类：(一)为艺术而艺术，艺术的意义就在于艺术自身；（二）表达心灵，表现情感；（三）揭露现实，批判现实。
为艺术而艺术的观点甚为流行，传统的艺术一般是依附于其他事物的，本身并不独立，原始社会艺术服务于原始图腾崇拜和生活用品的装饰，古希腊艺术创作比较自由，但也服务于宗教或纪实，中世纪则几乎完全屈从于神学，文艺复兴时期追求自由的风气使艺术得到解放，但仍有宗教因素或依附于文学，荷兰静物画则一味追求商业价值，新古典主义则服务于政治，印象派则追随科学，并亦步亦趋……其艺术自身的价值却长期以来被遮蔽，于是艺术的独立就成为艺术发展的必然趋势，为艺术而艺术的呼声日趋高涨。与之相关的理论有形式主义，直觉说，有意味的形式，形式美……
表达心灵，表现情感的观点也有很多艺术家认同。艺术往往就是人的心灵的外化，是一个人的感情的直接流露，艺术常与情感有不解之谜，或者可以说艺术本来就是为表达而产生的。也因此，有“文章合为时而著，歌诗合为事而作”， “故欢愉之辞难工，愁苦之言易巧”。这些都一再说明艺术是为内心表达而作的。浪漫主义，表现主义，象征主义等作品都是重情感表现的。为表达，为寻知音成了艺术的又一目的和动力。
艺术的一个极为重要的功能就是批判功能。当民主自由人权成为时代主旋律的今天，艺术的批判精神更加显示出其重要意义。在传统艺术里，艺术往往成为宗教和政治的奴仆，要么成为统治阶级的传声器，宣扬统治阶级意志，粉饰统治阶级的丑恶；要么就是用来装饰统治阶级的生活场所，仅仅作为一个饰物。而在以自由为精神的今天人们有权发出自己的声音，并按公民的意愿来决定各种各样的公共事业，来设计整个人类的将来。具有批判性的艺术大体又两种，一种通过揭示现实来实现批判性；另一种则是诉诸将来，艺术设计出具有乌托邦色彩的未来，作为改造现实的前进方向，即一反以前的“艺术模仿现实”说为“现实模范艺术”，通过订立目标的方式，让现实不断趋于完美。前一种形式的艺术如批判现实主义，自然主义。后一种形式的艺术如法兰克福学派，其中以阿多诺最为显著。
综观上述三种艺术的意义，我们可以看出，无论从哪个角度来看，艺术都有其自身价值。有的作品甚至具有多方面的意义，有的则几种意义只能择其一，各种意义间可能会出现冲突，如具有批判性的作品往往并不表现美，这就与讲究形式美的唯美主义格格不入。这种情况不足为奇，但许多人却执其一端，对异己大加排斥。唯美主义斥责具批判性的艺术不纯粹，或认为那是非艺术或伪艺术；追求批判精神的则对唯美主义脱离现实，不关心当下，不关心“人”极度不满。这种情况不一而足，相互间不断否定甚至导出艺术终结论。但我们相信出问题的不是这些艺术，而是“艺术”这个称谓囊括了太多差异极大的东西。人们在否定艺术，却最终连什么是艺术也众说纷纭。
或许我们并没有必要执着于艺术是否已经终结，或是否会终结。人天生就倾向追求美的东西，并总是“以美来塑造和改造这个世界”，追求艺术自身的价值的活动必然继续下去；而人毕竟是“有情感的动物”，有情感就必然要表达，要寻求慰藉，于是艺术变成一种必不可少的需求；就批判意义而言，我们相信“只有更好，没有最好”，社会制度是一个不断完善的过程，从这一角度讲艺术更是任重而道远。又何来终结一说？
总之，无论是追求何种意义，艺术的最终目标都是为了追求自由的，人总怀着一种希望，这也是人生变得美妙的原因之一，追求自由，执著于艺术就变得意味深长。
摘要：歌舞片是指以歌舞为主的电影，也是电影最古老的类型之一。从早期三十年代的好莱坞开始拍摄至今，虽然具有浓重的程式化风格，但一直受观众的热爱，其中很得人心的重要一点，就是其励志作用。大概所有人都愿意拥有乐观向上的精神，或者甘心被这种精神所俘虏。所有的歌舞片几乎都有一个光明胜利的结局，主人公隐没在最终欢天喜地的载歌载舞中。有评论家认为“歌舞片凝聚着一种文化的精华”，这类片型在好莱坞被发扬光大，也许正和美式主流文化特征相吻合，勇于梦想，敢于追逐，乐于宣扬。它“将多姿多彩的人生经历加以提炼，并且注入了大量超凡脱俗的元素”，因而可以超越普通的语言障碍和文化隔阂，特别容易被理解和诠释，自然也容易流于简单。早期歌舞片多属轻松优美娱乐性强的舞台艺术片。歌舞片的故事情节比较简单，一般只起串连歌舞场面的作用。歌舞片有歌舞兼备的，也有侧重表现歌唱或舞蹈的。
关键词：歌舞片 伯克利 好莱坞 类型片
有声电影诞生以后，歌舞片曾经一度是电影的主要类型。世界上第一部有声片是1927年的《爵士歌王》The Jazz Singer，由著名的爵士歌手阿尔森Al Jolson主演。这部电影后来受人质疑，因为它只有片断对话和部分歌曲、音乐，几乎还不算是一部完整的有声片，此外舞蹈缺少编排、乐曲的数量也不够，所以它还不是我们现在所说的一部真正意义上的歌舞片。
Continue reading ‘尽情歌舞——从《雨中曲》窥视好莱坞歌舞片的特点’
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